Entrevistamos a:

Julio Casado. Nace en Alcañiz (Teruel) el 31 de Diciembre de 1962. Al año de su nacimiento, sus padres se trasladaron a Zaragoza.Estudió desde muy joven disciplinas y técnicas tan variadas como: dibujo, óleo, pastel, acrílico, grabado, escultura, modelado, talla de piedra, etc. Sigue aprendiendo de forma constante, aunque nos confiesa, que lo que más le gusta es "la acuarela". Ha realizado diversas exposiciones con el grupo de pintura “La Sagrada Ballena”. Es profesor del Ayuntamiento de Zaragoza, y da clases de dibujo, acuarela y pintura, a personas mayores. Actualmente forma parte de la Asociación Plástica “Sintítulo” en Zaragoza.

1.-¿Cuándo comienza tu afición por la pintura?
Tras terminar la mili. Antes de hacer el servicio militar trabajé en una agencia publicitaria, maquetaba revistas, hacía rótulos y dibujaba algún personajillo, pero, echaba en falta la parte más artística y menos lineal. Me dí cuenta que perdía el tiempo, y fué cuando decidí matricularme en la Escuela de Arte. Allí sentí que me acoplaba con una facilidad increíble a las actividades artísticas, y que estaba disfrutando, cosa que no lograba en mi anterior trabajo más matemático y encajonado. Esto es lo mío, me dije. La vida ya tiene bastante sufrimiento. Creo que aunque pintes agonías o dolor, tienes que transmitir una idea de "felicidad", en el sentido de estar en sintonía y contento contigo mismo. Pinto mucho mejor cuando me siento así, y cuando estoy solo y nadie me interrumpe.

2.-¿Cómo es tu proceso creativo?
Pues mira, muy sencillo, no hago bocetos por ejemplo, parece como que pierdo energía. Soy más de jugármela a la primera, me gusta hablar con el cuadro, dialogar con él.Siempre hay un punto de partida, antes de empezar tienes que tener una intención, aunque a veces también interviene el azar.

3.-Háblanos un poco de tu pintura. ¿Qué paleta de colores sueles utilizar?
Me gusta buscar la esencia, el alma de las cosas. Ahora estoy atrapado por la acuarela porque me parece fresca, espontánea y con más posibilidades de expresión que otras técnicas.La gama de colores que más suelo utilizar, son los tierra y los azules, también el gris pain y el azúl índigo. Una gama simple y sencilla. Claro que todo depende de la etapa en la que me encuentre. A veces, uno se siente más explosivo y más fuerte, y los colores pueden cambiar un poco.

4..-¿Qué tal la experiencia de impartir clases de arte a nuestros mayores?
Me satisface muchísimo enseñar arte a los abuelos. Personalmente disfruto mucho, ya que doy clases y pinto a la vez. Son las dos cosas que más me gustan.Los abuelos son auto-disciplinados, y muy agradecidos. Hay personas con mucho talento que han tenido la afición "congelada" durante mucho tiempo, por trabajo o por dedicación a sus familias. Al llegar a esta edad , vuelven a despertarse sus sueños e ilusiones.Ahora tengo seis grupos de: óleo, acuarela, dibujo, color y pintura creativa, en clases de iniciación y avanzados. Los resultados, a sus niveles, son espectaculares. Disfrutan y se sienten muy satisfechos enseñando lo que progresan en sus círculos familiares y de amistad.

5.-¿Cuál es tu visión sobre el arte en estos momentos?
Todo este mundo es un poco hipócrita y superficial. Hay mucha mitomanía sobre la firma, las salas, los críticos. A veces, se ha dado el caso de juzgar una obra con toda seriedad, y resultar ser un completo engaño. Se dejan guíar mucho por los currículums, y pienso que llevar más exposiciones realizadas, no es garantía de que lo hagas mejor.

6.-¿Qué proyectos tienes entre manos?
Pues tengo un encargo de un retrato, participar en algunos concursos de pintura, y tratar de hacer cosas interesantes con la Asociación "Sintítulo".

7.-¿Qué consejo darías a alguien que se inicia en la pintura?
Pocos se atreven a entregarse cien por cien a la pintura. Hoy en día, a cualquiera lo llaman pintor cuando en realidad son sólo aficionados. Así que mi consejo es que coja una buena base y fundamento, y que no sufra en el proceso, porque el objetivo principal debe ser disfrutar y no parar de crear, (crear es lo más bonito y lo más difícil a la vez). Que recuerden que esto es un oficio, y requiere por lo tanto de una dedicación permanente, constante y por supuesto, siempre ilusionante.

Gracias Julio!!
Por dedicar un poco de tu tiempo a concedernos esta entrevista. Nos encanta el trabajo que estás haciendo con los mayores que aún conservan viva la ilusión por crear, y como les transmites el arte de una forma tan natural y cercana.Deseamos que tu vida y tu trabajo sigan siendo tan fructíferos. Que continúes disfrutando tantísimo de lo que haces, ya que de esa forma, los que veamos tu obra, seremos un poco más felices.

Colectivo Harte

Entrevistamos a: José Fábrega

José Fábrega. Nace el 4 de Noviembre de 1957 en Viladecans (Barcelona). Actualmente se dedica a la enseñanza de Tecnología de la Comunicación e Informática Básica y a la investigación fotográfica en el campo de la Fotopoesía. También se dedica al comentario poético de fotografía, este aspecto en colaboración con el genial fotopoeta argentino Luis Vence.José Fabrega ha publicado portadas y colaboraciones en: Revista DNG, El Angel Caído y en la revista californiana JPG magazine, donde tiene publicados varios Photo-Essays. Ha realizado exposiciones compartidas en diversos espacios culturales.

1.-¿Desde cuando te viene la afición por la fotografía?
A los 9 años ya iba con mi padre al laboratorio de la Agrupación Fotográfica de Viladecans a revelar nuestras fotos. Durante muchos años me he dedicado casi en exclusiva a la enseñanza. Luego me dediqué a la pintura y a la poesía combinándolo con estudios de musicología e infografía. Actualmente combino la fotografia, la musicología y la poesía en una única actividad: la fotopoesía.

2.-¿Por qué eliges la fotografía para expresarte, utilizas otros medios de expresión?
Elijo la fotografía porque es lo que mejor domino, y porque me apasiona el proceso de elaboración desde el archivo RAW original hasta la obra acabada. Con la pintura no siempre puedo expresar lo que quiero. Con la fotografía siempre. Con la poesía también. Combinar fotografía y poesía, da un matiz completo a la evocación que un objeto real provoca en mi mente creadora.

3.-¿Qué te gusta fotografiar?
Cualquier cosa, pero tengo preferencias.En primer lugar, me gusta fotografiar objetos reales, pero que tienen una concepción totalmente abstracta. El mejor ejemplo es la fotografía ganadora del concurso. “Homenaje a Matisse”.Cuando paseaba con mis hijos "VI LA FOTO". Es decir, por unos segundos me quedé como en trance, porque la fuerza de la imagen me invadía y de alguna manera, me obligaba a disparar la foto.En segundo lugar, me gusta realizar fotos en lugares extraños cargados de energía: seminarios abandonados, invernaderos, chatarrerías, pueblos semidesérticos ,etc. Suelo fotografiarlos en blanco y negro.En tercer lugar, me gustan mucho las texturas: paredes desconchadas, viejas maderas, muros, paredes de piedra, hierros oxidados.En cuarto lugar, me gusta buscar la geometría anárquica del caos en los paisajes cotidianos.Y en quinto lugar, me gusta la estética Zen especialmente la gracia caligráfica de los ramajes arbóreos y la explosión multicolor de las flores y paisajes, cuyos colores cambio al uso de van Gogh. Yo “veo” la foto con los colores ya cambiados, la tomo y la manipulo en Photoshop hasta dar con mi visión original.Por el momento no me gusta la fotografía de estudio o no espontánea. Me gusta encontrar las fotos. Cazarlas.

4.-¿Lo haces con asiduidad?
Suelo salir a “cazar” fotos diariamente, salvo que tenga alguna obligación o problemas de salud. Suelo llevar la cámara siempre a mano.

5.-¿Qué cámara usas?
Siempre he usado Nikon en digital, en analógico había usado Yashica y Pentax. Estoy muy contento con Nikon aunque creo que Canon es una gran marca. En realidad no hace falta una gran cámara: Javier Escalona (un profesor universitario de México) tiene un blog de fotoperiodismo excelente y , como reto, todas sus fotos están hechas con un teléfono móvil Ericsson.

6.-¿Qué quieres contar con tus fotos?
Lo que siente mi alma ante una imagen.

7.-¿Qué significa la Fotopoesia?
Fotopoesía surgió de una conversación entre mi amigo, el poeta Santi Lozano y yo. Me propuso realizar fotografía poética o poegrafía. Luego descubrí a Luis Vence que en su magnífico blog estaba trabajando el mismo concepto que podría resumirse en términos clásicos como un photo-essay de carácter poético."Entendemos fotopoesía como la forma de expresión artística que utilizando un soporte visual prioritariamente fotográfico, comunica la poesía que subyace en la imagen y la refuerza o no, con un poema, una canción o ambas expresiones.La intención del fotopoema es sacudir el alma sensible del espectador-lector-oyente :el nuevo ciudadano multimedia del Web 2.0.Un fotopoema puede tener una alta carga evocadora y transgresora de la realidad. El fotopoema es convulsión emocional".

8.-¿Dónde podríamos encontrar ejemplos de fotopoetas?
Existen en este momento tres referentes en fotopoesía. Dos de ellos somos los fundadores del llamémosle movimiento: Luis Vence y José Fàbrega (Osselin). El otro fotopoeta puede ser Juan BM un excelente escritor y fotógrafo, aunque él no se define como fotopoeta, yo diría que lo es...http://galeria-luis-vence.blogspot.com/http://fotopoemas-osseliln.blogspot.com/http://cantodeespumas.blogspot.com/

9.-¿Tienes algún proyecto futuro relacionado con la fotografía?
En este momento estoy desarrollando técnicas de pictoralismo que consiste en manipular el archivo RAW hasta conseguir un efecto totalmente pictórico con los colores reales totalmente manipulados. También colaboro desinteresadamente con ONG’S en la parte gráfica.Estoy en conversaciones para exponer en una sala importante de Barcelona. Quiero también imprimir en lienzo, con unos barnices experimentales que estoy desarrollando con el laboratorio.

10.-Háblanos de la fotografía ganadora que presentaste a nuestro concurso.
La fotografía fue una sacudida estética mientras paseaba cámara en mano con mis hijos. Mi pasado de pintor me hizo reconocer los colores “fauve” (traducido literalmente “fieras”) de aquel muro de hormigón con un agujero en forma de ventana. Me di cuenta que, si aislaba el detalle de la ventana, sólo alguien que hubiera estado allí podría reconócerla, y ni aún así. A primera vista, ni se reconoce un muro de hormigón, ni una ventana, ni mucho menos un parque. O sea una pura abstracción sin manipulación de ningún tipo.

11.-Coméntanos “Homenaje a Matisse”, por favor.
Es un homenaje a uno de mis pintores favoritos escogiendo de la realidad, algo que podría haber pintado él.Tengo también un homenaje a Rothko, un homenaje a Van Gogh, homenaje a Rusiñol, a Vayreda y un homenaje a Turner. Cualquiera de esas fotografías puede pasar por una de sus obras(aparentemente y salvando las distancias, por supuesto) pero son en realidad, puertas de plazas de toros, fragmentos de una hormigonera, etc.

12.-¿Quieres añadir alguna cosa más que te parezca relevante y que quieras dar a conocer como ganador de nuestro concurso?
En primer lugar agradecer la labor de promoción artística desinteresada de vuestro colectivo. Una labor digna de elogio y realizada con mucho sacrificio.Quisiera decir que cualquiera de los amables lectores que sigue esta entrevista y que seguramente tienen trabajos normales y corrientes, puede ser fotopoeta con unos pequeños estudios de composición artística e ilusión, no importa la cámara, no importa el lugar: Todo está en la mente.

Gracias Osselin!!
Por transmitirnos tanto a través de tu objetivo fotográfico. Ha sido un placer escuchar tus palabras, consejos y habernos dado la oportunidad de conocerte un poco más. Como no, agradecerte el haber descubierto contigo, el significado profundo de "Fotopoesia". Recibe nuevamente nuestra más sincera felicitación por tu 1º Premio en nuestro "I Concurso de Fotografia 2007". No dejes de "cazar" imágenes, para seguir llenando de sensaciones, la retina de nuestra alma.

Colectivo Harte

Entrevistamos a: David Bea

David Bea (Músico y poeta). Nace en Córdoba, en una familia donde la música era de crucial importancia. Cantaba a menudo junto con sus padres y sus hermanas, con el piano y la guitarra como acompañantes fieles de sus veladas.El viejo tocadiscos de su padre siempre estaba encendido, con discos de cantautores como Victor Jara, el gospel de Marion Williams o Mahalia Jackson y el omnipresente Bob Dylan, junto a canciones y cuentos infantiles que su madre les traía. (Sin duda, unos maravillosos sustitutos de la televisión).
Visitar su página web

1.- David, háblanos un poco sobre tus comienzos
Con nueve años mi padre me compró mi primera armónica, y con trece mi primera guitarra. Toqué con varios grupos en el instituto, nada serio. A los dieciséis entré a formar parte de un grupo de corte folk y letras gospel, llamado "Rocaviva". Nos recorrimos Andalucía dando conciertos en un viejo coche verdoso que corría de maravilla cuesta abajo. A esta edad me fui a vivir a Madrid, y compaginaba el grupo, con mis primeros conciertos en solitario en algunos bares de la gran ciudad, con versiones de Elvis, Chuck Berry y hasta Frank Sinatra.A los diecinueve formé mi propia banda de acompañamiento, y con un proyecto propio me lancé a la carretera…hasta hoy, recorriendo el país y tocando en bares, salas, teatros, centros cívicos, universidades, plazas, etc. He girado con músicos y en solitario (acústica y armónica). Por mi banda han pasado más de una decena de músicos, he grabado cuatro discos y compuesto muchas canciones. Eso es todo.

2.-¿Cómo definirías tu trabajo?¿Qué es lo que intentas transmitir a través de tu música?
Mi trabajo consiste en no plantearme nada. Si lo hiciera, me convertiría en un profesional de la composición, un trabajo muy digno pero completamente contrario a mi propia y personal visión. No escribo por trabajo, sino por necesidad, y esto excluye las definiciones que pertenecen más al área laboral que al espiritual-creativo-artístico. Intencionalmente, no intento transmitir nada. Por lo general, cuando uno intenta transmitir algo suele ocurrir lo contrario… Simplemente escribo. Si después del proceso creativo he conseguido plasmar cosas que merezcan la pena, entonces es que he sido honesto conmigo mismo.Las canciones son como el vino: Si son buenas, mejoran con los años, y cumplen un propósito que ni siquiera tú podías imaginarte. Si por el contrario, van disipándose hasta quedar en nada, es que la composición era una porquería. Dejo que fluya y después que las canciones pasen solitas la prueba de fuego: El tiempo.

3.-¿Podrías describirnos un poco tu proceso creativo?
Mi proceso creativo es tan simple que no merece demasiada atención: Escribo y compongo donde sea y cuando sea. A veces sale antes la letra, y otras la música. En otros casos todo a la vez. Generalmente soy lo que yo llamo un compositor de “calambres”, o sea, que hago canciones por impulsos, y de forma muy rápida. Aunque canciones como las incluidas en el disco “Subterráneos” me descolocaron tremendamente, porque se fraguaron a lo largo de un año. Así que no hay truco, sólo magia.. Como decía Picasso: “La inspiración existe, pero tiene que pillarte trabajando.”

4.-¿Cuáles son tus influencias? ¿A qué artistas admiras?
Tenemos una cultura musical tan amplia que es muy complicado definir las influencias de uno, ya que "TODO" lo que ha entrado por estos sentidos a lo largo de mi vida, ha influido de amplias y variadas formas mi música, e incluso mi visión de ella. Sin embargo, sí es cierto que algunos artistas han marcado de forma concreta y particular todo lo que hago, pero en mi caso tanto escritores como músicos son los culpables de ello, y son demasiados para exponerlos en unas pocas líneas, así que no lo haré.Lo que si es cierto, es que con el tiempo vas cerrando cada vez más tu círculo de artistas; por mucho que escuches y leas, al final vuelves a ellos. Mi amigo Ignacio Juliá escribió en el prólogo a la autobiografía de Johnny Cash algo digno de enmarcar y recordar diariamente en este mundillo mentiroso, ignorante y estúpidamente frívolo: “(Johnny Cash)... contradice cualquier tendencia a honrar como mitos a quienes mueren jóvenes y hermosos. Nos equivocamos, los verdaderos héroes son los supervivientes, quienes se agarran a las ondulaciones de la existencia, sus altibajos y contradicciones, y luchan infatigablemente contra su intrínseca futilidad.” Después de un largo camino recorrido, empiezas a valorar no solamente la música o el arte en general, sino también a aquellos que saben sobrevivir a través del tiempo, dignamente. Al final consiguen transmitir algo que nunca se habían propuesto, y con una autoridad aplastante e incuestionable, que sólo puede venir de la experiencia: Bob Dylan, Neil Young, Steve Earle, Guy Clark, Van Morrison, Joni Mitchel y otros muchos; sus voces no tienen precio…sencillamente porque nunca lo tuvieron.

5.-¿Qué destacarías como lo mejor y menos bueno de tu experiencia como artista?
Lo mejor es la música en sí: El proceso compositivo, la grabación, subirte al escenario a desnudarte emocionalmente…Lo peor es el mundo que la rodea: La ignorancia, la incultura, la deshonestidad, la mentira, el orgullo… o sea, lo de siempre. Los que ponen posters de los Beatles en el estudio de grabación cuando no son capaces de decirte el título de un solo disco de ellos, los listillos que sacan dinero a pobres adolescentes que no saben nada del negocio y los que hacen promesas que después nunca cumplen, aprovechándose de la inocencia de estos. Los que hablan de ti como si fueras embutido que tienen que vender, cuando si siquiera se saben una sola canción tuya…Lo mejor es insuperable y lo menos bueno es lo peor.

6.-Cuáles son tus proyectos futuros
En principio, publicar tres discos que tengo ya grabados: “Fotografías”, “Songs from the north” y “Cruzando la línea”, y preparar una serie de conciertos acústicos muy puntuales. También trataré de dar salida editorial a los siete poemarios que reposan con calma en mis cajones desde hace años, aunque algunos ya han sido publicados en revistas: “Estación del ruido”, “Autum”, “Sensaciones desde el ocaso”, “Locos de sangre caliente, “Esta larga muerte pasajera”, “Madrugada en la tierra del sol” y “Al final del túnel”. Tengo también algunas producciones de varios músicos, y la creación de música para una serie de documentales.

7.-¿Qué le dirías a los artistas que están empezando?
Depende. Si están empezando por una necesidad de expresión, que mantengan todos los sentidos abiertos, dispuestos a aprender de todo y de todos (hasta del más malo se puede aprender algo). Que trabajen duro para conformar una visión a largo plazo (o sea, para toda una vida) y que no pierdan el tiempo escuchando estupideces: La envidia y la ignorancia serán los grandes muros que se encontrarán en el camino, si quieren abrirse paso desde su mundo, sin ceder, sin doblar las rodillas para recoger limosna. Que sean honestos y consecuentes, en lo pequeño y en lo grande. Y que tengan referencias que merezcan la pena.Si por el contrario, están empezando porque les gusta todo el rollo que rodea el arte (las luces de neón, los gritos, los autógrafos, el ser conocidos y reconocidos continuamente, las poses, etc…) que no lo duden, tienen un camino amplio para figurar, y muchas oportunidades para hacer el ganso.

Gracias David!!
Por mostrarnos secuencias tan especiales de tu vida y tu trayectoria artística. Por compartir con nosotros de una forma tan abierta y sincera tus experiencias, tu peculiar visión de todo este mundo de la música y el Arte en general.Gracias por componer intentando "no transmitir nada", porque de esa forma, nos has transmitido tanto...y sobre todo, por convertirte en una de las referencias que realmente merece la pena seguir a todos aquellos que amamos el Harte, (llevemos tiempo o estemos comenzando en ello).Sin duda, deseamos que sigas manteniendo tus rodillas bien fuertes, tu corazón lleno de cosas hermosas, y tu voz profunda y limpia.

Colectivo Harte

Entrevistamos a: Cuca Muro

Cuca Muro. (Pintora zaragozana) Licenciada en Geografía e Historia, y graduada en Dibujo Publicitario. Pertenece a la Asociación Española de Pintores y Escultores, a la Agrupación de Acuarelistas de Aragón y a la de Cataluña. Ha realizado más de un centenar de exposiciones a lo largo de toda la geografía española obteniendo un buen número de premios. De ella dicen los críticos de arte que es maestra en el difícil arte de desdibujar, que siempre está en continua búsqueda, que pone amor en todo lo que hace, que con su técnica depurada, convierte lo cotidiano en poesía.

1.-Háblanos de tus comienzos
De pequeña, cuando me aburría en clase, me daba por pintar a todos los profesores. Gracias a eso, sobrevivía a algunas clases. Fue entonces, cuando empecé a darme cuenta que se me daba bien y que aquello era una forma de relacionarme conmigo misma. Luego estudié en varias escuelas de Arte. Descarté la docencia como forma de ganarme la vida, y a base de trabajar mucho, perfeccioné la técnica pictórica y aprendí a ver en totalidad las cosas.

2.-¿Cómo defines tu obra y qué pretendes transmitir con ella?
Mi obra la definiría como sentida, emocional y sutil. Con ella pretendo transmitir sentimiento y admiración hacia lo que contemplo, efectos de luces, admiración hacia la vida. Lo que quiero, lo que temo, lo que me gusta, lo que añoro, lo que está detrás de las cosas.

3.-¿Cómo es tu proceso creativo?
Mi proceso creativo es muy impulsivo, pero a la vez reflexivo. Así que intento conectar mi emoción con mi razón, ese equilibrio. Trabajo a base de bocetos, de anotaciones personales que escribo. Voy acotando y perfilando más la idea para conseguir la esencia.

4.-¿Qué influencias tienes?
En mi pintura han influido Turner, Klimt, Philip Jamison, James W. Mcneill, Requena, Terror Cha, Berlan, Zobel...

5.-Háblanos de tus proyectos futuros
Me gusta mucho la docencia, enseñar a la gente Arteterapia. Me doy cuenta que algo que para mí es útil, se convierte en una herramienta para los demás, algo más profundo que un simple entretenimiento. Ayudar a comprenderse, es quizás lo más importante que puedes hacer por otra persona. Mis proyectos futuros pasan por compaginar la docencia, con distintas exposiciones que cada año suelo hacer en distintos lugares de España.

6.-Cuéntanos alguna anécdota
En general, en las exposiciones sueles conocer a gente muy pintoresca, y a veces, no sabes si eres pintora o psicóloga. Eres como un enganche que les hace conectar con su interior. Un día, en una exposición un señor me sacó un hacha. ¡No veas que susto!. Resulta que era un pintor que estaba entusiasmado con las hermitas románicas, y para enseñarme con que cortaba la hierba alta alrededor de ella, me sacó el hacha…

7.-¿Qué recomendarías a las personas que se están iniciando en la pintura?
Que interioricen mucho para conocerse mejor.

Gracias Cuca!!
Es un honor para nosotros, que una importante pintora como tú, haya accedido a hacer ésta entrevista. Nos sentimos orgullosos de escuchar tus consejos, de conocerte un poco más, y lo más importante, comprobar que dentro de una gran Hartista, vive una gran persona.
Es nuestro deseo que sigas transmitiendo en tus obras, todo lo bello que se esconde en lo más profundo de tu ser. De esa forma, estamos seguros de que seguirás cosechando éxitos constantes.

Colectivo Harte

Entrevistamos a: Ramón Gacías

Ramón Gacías (Músico, batería y percusiones)Nace en Zaragoza. Empezó muy joven, cuando tan sólo tenía ocho años. Se dedicaba a tocar sobre las colchas de las camas y los ya desaparecidos botes de Colón (que se rompían rápidamente, suerte que eran familia numerosa). Ensayaba cómo y donde podía. Su primer grupo fue "Gazza" (sus componentes eran todos hermanos), luego formó parte de "Días de Vino y Rosas", "Niños del Brasil", "Amaral" y "Bunbury". (Ramón tocando con Bunbury y Jaime Urrutia)

1.- ¿Cómo definírias tu trabajo con Bunbury? ¿Cómo te sientes tocando con Amaral, y qué crees que puedes aportar desde la batería?
La ventaja de trabajar con Bunbury es que te deja total libertad creativa. Solemos partir de una voz y una guitarra o un piano y a partir de ahí cada músico aporta con su instrumento el maquillaje para la canción, en mi caso la batería, percusiones, y echo una mano en la producción de los discos. Con Amaral toqué hace diez años y ahora he vuelto con ellos. Tenemos influencias comunes desde entonces, esto es importante porque hay un lenguaje común.La batería es el motor de la canción en casi todos los estilos musicales. Es la culpable de que tu cuerpo baile al escuchar una canción. También es la guía para los demás músicos. Recuerdo que Phil Manzanera (productor, guitarrista de Roxy Music) me dijo: una banda es tan buena como lo sea su batería.

2.-Descríbenos un poco tu proceso creativo o cómo te enfrentas a los ensayos.
Para mi lo más importante es la conexión cuerpo-mente. Si tu cuerpo está lo suficientemente entrenado, únicamente te dedicas a crear y el cuerpo inconscientemente ejecuta lo que estás pensando. El cuerpo aprende por repetición hasta que se convierte en un acto reflejo. Para conseguirlo tiene que haber muchas horas de ensayos. Trato de que sean divertidos a base de tocar sobre canciones de otra gente, intentando aportar lo que la canción me sugiere.

3.-¿Cuáles son tus influencias? ¿A qué artistas admiras?
Bob Dylan, Nick Drake, Björk, Tom Waits, Chavela Vargas, Chet Baker, David Bowie, Elvis Presley, Johnny Cash, The Beatles…

4.-¿Qué destacarías como lo mejor y menos bueno de tu experiencia como artista?
Lo mejor es la vía de escape que proporciona cualquier expresión artística. Lo peor es la frustración al no abarcar todo lo que quisieras.

5.-¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Tocar todo lo que pueda con gente afín a mis ideas. En enero unos conciertos con Bunbury & Vegas en México D.F., un concierto con Distritocatorce en el teatro principal de Zaragoza y girar con Amaral.

6.-¿Qué les dirías a los artistas, en general, que están comenzando?
Que tengan una buena base sólida de influencias y a partir de ahí, que no imiten, sino que busquen la aportación personal que nunca han visto. Que tengan algo que decir, que investiguen. Que no se vengan abajo. No puedes estar creando constantemente cosas maravillosas. El arte tiene sus rachas.

Gracias Ramón!!
Ha sido un privilegio que un músico profesional como tú, nos haya permitido entrar un poco más en su mundo.No es de extrañar que el éxito te acompañe, por tu claridad de ideas, sencillez y humildad demostradas.Deseamos que 2007 llegue a tí cargado de triunfos y nuevos retos por conquistar.

Colectivo Harte

Entrevistamos a: Yolanda Tamayo

Yolanda Tamayo López (Escritora) Nace en Jerez de la Frontera(Cádiz).Desde temprana edad, se sumerge en el fascinante mundo de los libros, el cine y la música.Siendo éstos, los culpables de sus primeros escritos.Es colaboradora de la revista "Ventana abierta" , y semanalmente escribe sus artículos para la revista "Protestante Digital", en la sección llamada Íntimo.Publicó uno de sus artículos, en la revista "FOTO", y actualmente coordina la librería de la ONG "Brote de Vida.

1.-Yolanda, háblanos de tus comienzos.
No existe un momento concreto en el que comienzas a escribir, es un proceso lento , las palabras te cautivan y tienes la apremiante necesidad de utilizarlas para expresar lo que sientes.Podía haber utilizado otras formas de expresión , pero dentro del ámbito literario me he sentido cómoda, segura de mí misma.

2.-¿Cómo definirías tu obra, y qué pretendes transmitir con ella?
Mi obra y yo somos muy parecidas . Quien me conoce y lee lo que escribo no descubre nada nuevo, escribo lo que soy, lo que siento, aderezándolo con las especias del crecimiento diario, de un continuo proceso de modelación .Con ello sólo intento reflejar las cosas más simples y a la vez más hermosas, los claroscuros de un mundo en el que hay mucho que mejorar.

3.-Descríbenos un poco tu proceso creativo.
Las ideas surgen en cualquier momento y situación: Dando un paseo, en el mercado comprando la fruta, conduciendo de camino al trabajo…Lo importante es estar bien despierto y atrapar las mil ideas que flotan en el aire.

4.-¿Cuáles son tus influencias, y a quién admiras?
Admiro a numerosos novelistas, poetas, músicos. Me gusta mucho la literatura inglesa del siglo XIX, las famosas hermanas Brontë, y Jane Austen.Miguel Delibes, Rabindranaz Tagore, Becquer, Miguel Hernández, Juan Ramón Jiménez… infinidad de nombres que han hecho que sienta pavor a la hora de definirme con el apelativo de escritora.En el área musical siento una completa fascinación por la música de Javier Rubial , y por una compositora sorprendente y maravillosa, Nieves Sánchez.

5.-¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Mi deseo en un futuro, espero no muy lejano, es la publicación de un compendio de artículos escritos en la revista “Protestante Digital”, que a modo de libro, vaya suscitando el interés del lector hasta hacerlo cómplice de mi mundo, de mis ansías por despertar conciencias, un agradable paseo a través de las palabras.

6.-Cuéntanos alguna anécdota.
Recuerdo en una ocasión, que tras escribir un artículo sobre el maltrato a mujeres, recibí un e-mail, en el que una mujer me expresaba su agradecimiento por mis palabras, ya que ella había sido víctima de malos tratos durante muchos años, y se sentía totalmente identificada.En ese momento, emocionada comprendí la valía de mis frases .

7.-¿Qué les dirias a los hartistas que están comenzando?
Los sueños no sólo se sueñan, también se persiguen. Cuando lo haces, corres el riesgo de que se conviertan en realidad. Hay que atreverse a perseguirlos.

Gracias Yolanda!!
Queremos agradecerte, el habernos concedido esta entrevista. Es especial para nosotros, ya que con ella damos comienzo a nuestro Espacio.Estamos seguros, que con tus palabras llenas de frescura, tu sencillez y transparencia, muchos se sentirán motivados a acercarse al fascinante mundo de la escritura.

Colectivo Harte.